« Une intrigue est la représentation d’un acte. »
L’une des premières définitions de l’histoire et de sa narration se trouve dans la Poétique d’Aristote. En d’autres termes, l’histoire ce sont les actions des personnagesce n’est rien d’autre. L’intrigue est basée sur les actions des personnages et l’interaction mutuelle qui réagit soit à la situation qui s’est produite, soit aux actions de l’autre personnage.

Si vous cherchez ailleurs cette histoire, vous ne la trouverez jamais.
Le dialogue ne crée jamais une histoire pour nous.

Et avec cette connaissance, tout le problème du cinéma slovaque découle de ses débuts très académiques, de l’existence même de VŠMU FTF. Le problème le plus fondamental est peut-être que, bien que les éducateurs et les « cinéastes » connaissent la poétique d’Aristote, ils connaissent la courbe dramatique de Freytag, et peut-être ont-ils entendu parler de l’intrigue éprouvée « La forme de l’histoire » introduite dans le monde moderne par Kurt Vonnegut et disent à eux-mêmes, « oui, une pièce en trois actes, on le sait », mais ils ne l’appliquent pas à la réalité (en fait, il n’y a pas d’histoire en trois actes, les tournants sont des parties séparées, nous avons donc 5 de ces actes – voir Shakespeare).

Conférence de Kurt Vonnegut sur la forme de l’histoire (il n’y a que 6 formes d’histoire de base au total). Semblable à la musique, il y a 7 tons qui se répètent constamment, mais vous n’avez jamais eu le sentiment que cela limitait musicalement les compositeurs.

Si nous sommes un spectateur attentif, nous découvrirons que les films slovaques (cinéastes slovaques) non seulement ne suivent pas et n’appliquent pas les méthodes éprouvées de « narration », mais essaient également de réinventer la roue. Dans un certain sens, ils ont déjà réussi à créer un « drame social » qui est un véritable produit des créateurs slovaques et dont ils peuvent être fiers à juste titre. Ce sous-genre n’a pas d’exposition, pas de conflit, pas d’action des personnages, il n’a que des scènes qui se succèdent et les personnages y ont des relations dysfonctionnelles et vivent dans une sorte de clair-obscur. Il s’agit d’un modèle éprouvé pour les films slovaques des 30 dernières années. Et c’est là que tombent presque tous nos célèbres créateurs.

D’où vient ce problème du cinéma slovaque ?
La réponse est la nouvelle vague cinématographique qui a surgi en France et en Italie dans les années 1960 et qui a fondamentalement influencé nos « cinéastes » et qui, à ce jour, enseignent le cinéma aux étudiants sur les campus et produisent leurs films dans cet esprit. Jean Luc Godard et son slogan « un film doit avoir une introduction, un noyau, une fin. Mais pas nécessairement dans cet ordre. » il décrit parfaitement l’expérimentalisme et l’abandon des procédés classiques de narration auxquels souscrivit toute la « nouvelle vague du cinéma » en Tchécoslovaquie à l’époque, et cette mentalité est présente ici jusqu’à ce jour. « Les golden sixties sont morts. »

La seule exception dans le contexte historique était peut-être Ján Kadár et sa boutique sur Korza, qui suivaient largement les principes de la narration. Nous connaissons l’histoire de ce film. Cependant, ni son succès ni les connaissances de Ján Kadár n’ont de successeur idéologique dans notre région. Les photos de la présentation des Oscars ne sont pas accrochées aux murs de VŠMU FTF, pas plus qu’une affiche de ce film ne vous accueille lorsque vous entrez dans leurs locaux. Cela ne parle-t-il pas de lui-même ? Cela ne parle-t-il pas de ce qui est vraiment important pour les gens de VŠMU FTF, de leur monde mental ?

Le drame Shop on the Corse a été inclus dans la liste des « 1001 films à voir avant de mourir », compilée par le critique de cinéma et producteur Steven Schneider.

Le but de cet article est que le cinéma slovaque revienne à la vieille école pleine de principes fonctionnels et oublie complètement la nouvelle vague et les créateurs de 60 ans de cinéma européen. A la vieille école que personne ne lui a jamais enseignée, qui n’a jamais eu de tradition ici et qui n’est reconnaissable dans notre région qu’aux eaux du théâtre et de ses œuvres classiques.

Hitchcock et ses exemples de surprise et de suspens :

Principes d’une bonne narration.

« Si vous voulez une fin heureuse, bien sûr, cela dépend de l’endroit où vous arrêtez votre histoire. » Orson Welles

« Quand je fais un film, je le regarde en spectateur. Parce que moi-même je ne suis qu’un spectateur. » Steven Spielberg.
Ce n’est peut-être pas évident, mais je ne mentionne pas délibérément le documentaire ici, alors je préfère l’écrire explicitement pour qu’il soit clair que je ne fais référence qu’au long métrage. Combien nos cinéastes pensent-ils vraiment au spectateur qui est censé les regarder ? Demande toi. Combien de fois avez-vous bien ri devant un film slovaque, avez-vous eu une larme à l’œil, eu des frissons, ressenti de la tension ou de la surprise, ou vous êtes-vous posé des questions sur l’histoire que vous venez de finir de regarder ?

Si vous avez obtenu zéro ou un nombre inférieur à 2, c’est que les principes de base d’un bon storytelling, qui sont absolument objectifs, éprouvés depuis des siècles et non subjectifs comme les nouvelles vagues et leur création, n’ont pas été appliqués. Dans l’intérêt du débat et de la réflexion sur la production cinématographique slovaque, il est bon de mentionner les principes les plus fondamentaux de la narration fonctionnelle et en même temps de fouetter nos cinéastes afin que le public slovaque ignorant ou les journalistes sachent quoi critiquer et quoi remarquer en slovaque. œuvres audiovisuelles.

Il était une fois dans l’Ouest: la scène d’ouverture à la gare. Combien de mots as-tu compté ?

« Montrez, ne dites pas. » (Montrez. Ne dites pas. Une image vaut mille mots. Le personnage n’a pas à dire qu’il est intelligent, montrez une scène où il montre son intelligence, pareil avec la richesse ou la pauvreté..)

« L’intrigue ce sont les actions des personnages » (Les personnages agissent parce qu’ils ont leurs propres motivations à agir, les motivations de leurs actions doivent être aussi claires et évidentes que le soleil dans le ciel. Il n’y a pas d’histoire sans les actions des personnages. Revenons toujours à Chaplin. « Si vous voulez savoir si vous avez fait un bon film, coupez le son. Si vous pouvez toujours le comprendre, cela signifie que vous l’avez bien fait. » Alfred Hitchcock.

Présence d’exposition (qui est notre personnage principal, à quoi ressemble son monde dans lequel il vit, dans quelle situation se trouve-t-il actuellement, les règles de ce monde, qu’est-ce que notre personnage principal veut accomplir et que se passera-t-il s’il ne l’a pas, ou plus tard dans le deuxième acte s’il perd ce qu’il a obtenu, si cela est inclus dans l’introduction, alors il suffit de mettre un obstacle devant ce personnage qui l’empêche de réaliser ce qu’il veut, qui a perturbé la routine de sa vie – intention – obstacle = intention – obstacle. Le conflit vient de l’exposition, si vous ne l’avez pas là, vous ne pouvez pas avoir de conflit).

Exemples pour les trois principes ci-dessus :

Il y aura du sang: Le personnage ne dit pas un mot en 5 minutes et on a toutes les informations grâce à ses actions, grâce à l’image, pas au dialogue.

WALL-E: que savons-nous de notre personnage principal grâce à ses actions, qu’apprenons-nous de sa vie, des règles du monde dans lequel elle vit, de la situation dans laquelle elle se trouve, de ce qu’elle fait ? Wall-e est essentiellement Chaplin et c’est un film muet.

Momie:

Présentation de notre personnage féminin principal à travers ses actions. Les dialogues ne sont pas nécessaires et surtout, ils ne créent pas une histoire. Le dialogue ne sert qu’à présenter des informations auxquelles le personnage donné réagit finalement à nouveau en agissant. L’action crée l’histoire.

Conspiration: Mel Gibson et son personnage paranoïaque. Que savons-nous d’elle en fonction de ses actions et de l’environnement dans lequel nous la rencontrons ? Un affichage fantastique de l’exposition du personnage principal et de la construction du personnage.

Le Grand Lebowski : Laissez le spectateur travailler dès le début du film, laissez-le composer ce qu’il voit devant lui, laissez-le travailler avec ce qui lui est lancé. Créez-y une question à laquelle vous répondrez plus tard, laissez-le cuisiner cette soupe avec vous à laquelle il obtiendra une réponse.

Une Odyssée de l’Espace 2001 : L’histoire, ce sont les actions des personnages. Il ne suffit pas d’allumer et d’éteindre l’ordinateur comme aujourd’hui avec un bouton sur un smartphone, mais d’éteindre physiquement ses différentes parties manuellement.

2+2= ? laissez le spectateur travailler, compter, donnez-lui les ingrédients (informations), laissez-le cuisiner la soupe avec vous, mais laissez-lui l’impression qu’il l’a cuisinée lui-même. Un film ne doit pas être juste scène après scène. Chaque scène sert l’histoire et est destinée à évoquer une question ou une réponse chez le spectateur – une idée de ce qui va suivre. Quand donner des informations au spectateur ? Où est le point, où est le rebondissement et où est le conflit ? Prenez la structure de la blague. Si vous ne le suivez pas, personne ne rira de cette blague. C’est donc la mise en ordre des informations dans un certain ordre qui crée l’effet recherché. 2+2= ?

Un cœur brave: scène avec le mariage du nouveau jeune roi qui épouse une princesse française. Qu’avons-nous appris sur lui grâce à la coupe, à la photo ? Les femmes ne l’attirent probablement pas et le mariage est contre sa volonté. Ce film est peut-être la meilleure représentation d’une histoire shakespearienne dans un film non shakespearien.

https://www.youtube.com/watch?v=QW0x1PHrVWo

Le principe d’Hitchcock de la tension et de l’implication émotionnelle du spectateur (« Si vous voulez que le spectateur soit en suspens, donnez-lui plus d’informations que le personnage principal que nous regardons », faites savoir au spectateur que le tueur l’attend au coin de la rue et laissez le personnage principal y aller sans le savoir. )

Exemple:

Il n’y a pas de pays pour les vieillards: exposition du méchant principal. Vous montrez de quoi il est capable, le danger qu’il représente pour les autres, puis vous envoyez des personnages sur son chemin qui n’ont aucune idée de ce à quoi ils sont confrontés et de ce qui les attend (comme la scène du tirage au sort plus tard dans le magasin). Cependant, vous, en tant que spectateur, le savez déjà bien, et grâce à cela, une tension se crée en vous. Le danger qu’il représente pour nous est créé grâce à ses actions. Comme l’a dit Hitchcock, « Plus le méchant a de succès, plus le film a de succès. »

Faites-moi m’en foutre !! – Intéressez-moi, pourquoi ne devrais-je pas être privé de ce qui va arriver aux personnages principaux ? Si le spectateur pose une question dans l’exposition et lorsqu’il introduit un obstacle – un conflit dans l’intrigue, ce doit être la question « Le personnage principal réussira-t-il, réussira-t-il, survivra-t-il? » Si le spectateur demande cela, j’ai gagné en tant que conteur. Si je me fiche que le personnage principal meure, alors j’ai fait une erreur.

C’est aussi la raison pour laquelle le cinéma slovaque est capable de non-concurrence dans le monde. Inutilement local sans personnages auxquels même un esquimau lapon peut s’identifier, bien qu’il ne soit jamais allé en Slovaquie.

Malgré ce qui précède, je ne nie pas qu’il y ait eu ou qu’il y ait encore des jeunes talentueux à VŠMU FTF, mais de mon point de vue le problème reste non résolu précisément à cause de ce qu’on leur enseigne. Ce ne sont pas de mauvais élèves, ce sont juste de mauvais professeurs. C’est peut-être aussi parce que les facultés de cinéma, de théâtre et de musique, bien qu’elles soient toutes VŠMU, ne coopèrent pas vraiment entre elles. Si on regarde le festival Áčko, qui est la sortie de ce qui se mijote au VŠMU FTF, je ne vois pas que des prix soient décernés à des acteurs, bien qu’ils jouent dans des films d’étudiants, ou à des compositeurs pour leur musique de film pour un étudiant film, et aussi l’absence de lien avec le théâtre dramatique, qui a tous les aspects pour apprendre aux futurs cinéastes la narration fonctionnelle.

« Le cinéma n’est pas un art. L’art est de le vendre. »

Un autre problème dans nos eaux, c’est que dans les écoles d’art, tout est considéré comme de l’art, et le cinéma aussi. Le problème avec le domaine académique est qu’il y a une absence totale de compréhension du cinéma comme un sale métier ordinaire. Vous avez la sculpture, la forge, la poterie et le cinéma.

Cependant, honnêtement, je ne crois pas qu’une école de cinéma puisse faire de vous un cinéaste. Des gens comme Cameron, Spielberg ou Nolan, Fincher, Scott, PTA, Tarantino sont des exceptions qui confirment la règle.

Alors, où va le cinéma slovaque ? Est-ce un spectateur ? Pourquoi un film slovaque devrait-il être subventionné par les contribuables si la cible n’est pas le spectateur et que ces films ne rapportent aucun profit à long terme ?
Pourquoi devrions-nous payer un billet pour lui?
Cette maladie est guérissable, les médicaments de base mentionnés ci-dessus le sont.

« Avec la possibilité de faire des films vient la responsabilité de les faire bien. Sidney Lumet